中华朗诵艺术十五讲-10.第十讲-朗诵再创作中的问题-10.1-第一节-正确创作观念——关于经典散文的朗诵经典篇目

   一、要树立“感情是朗诵的灵魂，语气是技巧的核心”的创作观念

朗诵是一门“情意并重”的语言艺术。虽然它的最终目的是抒发感情，但如果没有语意的引导，情感很难将其细腻性、丰富性表现出来。所以朗诵首先应注重语气的作用。正是因为语气对语意以及潜语的挖掘，情感的性质才得以明朗，其深浅度才得以准确传递。

注重语气的同时，节奏渲染感情的作用也是不可忽视的。但节奏的运行是在语势的轨道里，所以只有在停顿的调节下、重音的指导下、语势的控制下、语气的率领下，节奏的作用才能淋漓尽致地发挥出来。倘若仅从传达感情的角度考虑，单纯把节奏作为朗诵技巧的核心，往往会带来停顿无度、重音不准、语势固定、语气消失的后果。

当前朗诵界流行的感情至上论、节奏核心论便存在着误导的缺陷——仿佛朗诵只要有了感情就会有一切，有了节奏就会有艺术性。在这种论调的导引下，许多朗诵者的表演看似用情很深，语调中却毫无具体的情感色彩可言，语流看似节奏鲜明，然而根本没有语气语意的影子。

这种貌似“深情”的朗诵，究其实质，不过是给情感穿上了一件“悲情、苦情”的统一制服，把它伪装成了一种“如醉如痴的深情”状态。所谓的“深情”不过是一种一脸严肃的、待而欲发的心理状态，或者说是一种“伪感情”。

沉浸于伪感情状态的朗诵者，如同泡在水里的黄豆，虽然外表饱满光亮，但就是不发“芽”。这种伪感情之所以难以转化为色彩分明的真情被抒发出来，正是由于缺乏语气的点拨以及语意或潜语的导航。

所以有志朗诵者一定要树立“情意并重”的“感情是朗诵的灵魂，语气是技巧的核心”的正确创作观，并坚决抛弃感情至上论、节奏核心论——重情而轻意的错误创作观。唯有如此，朗诵再创作的道路才会越走越宽，朗诵的发展前途才会越来越光明。
二、要正确理解感情基调的作用

感情基调是从作者的基本情感取向出发，是对文学作品中主要感情色彩的总称。这是一个笼统性的感情概括，它的作用是帮助朗诵者来更好地揣摩、理解作者行文时的心态或心境，防止情感跑偏，而不能将其视作某种具体的情感进行抒发。

因为基调色彩相同的感情常给人不同的感受。比如同是欢乐，可以是让人兴奋的欢呼狂叫，也可以是让人会意的喜上眉梢......比如同是悲哀，既有伤心欲绝的痛哭流涕，也有苍凉伤感的愁眉凄心......作品中这些丰富的感情层次，细腻的情感变化，迥异的感染效果，都需要我们细细地去捕捉体味。

现实中很多人往往一说“喜”就“春风满面”，一说“愁”就“愁绪满篇”这样只会带来整体掩盖个体、共性抹杀个性，导致感情色彩囫囵吞枣、模糊一片的后果。从这个角度看，对感情基调的错误解读应该是诱发朗诵“千人一面、千篇一律”现象的主要因素之一。
三、朗诵者应该和作者（或作品中的人物）交融在一起，塑造一个具有“艺术真实”的作者（或作品中的人物）

真实是艺术的生命。

朗诵艺术的真正目的就是通过各种声音表现形式将作者（或作品中的人物)真实的内心世界和独特的性格特征充分雕琢、刻画出来，以使听众获得情感的震撼、思想的启迪、艺术修养和审美趣味的提高。

因此，无论是对创造者还是欣赏者来说，有一个共同的要求：所表达的思想感情以及所刻画的人物性格必须具有审美价值。

这个审美价值就体现在真实上。只有给这种性格或情感赋予真实性，才会给听众一种“似曾相识”的生活真实感。这种感觉会在朗诵者和欣赏者之间连接起信任的纽带，从而实现艺术的真正目的。

但这种真实感是一种经过加工后的艺术真实。只有这样的艺术真实，才会让听众忘掉朗诵者的存在，始终感觉到是作者或人物在说话，才能让听众获得审美上的享受。

所以朗诵者的真实身份既不是生活中真实的自己，也不是完完全全的作者（或作品中的人物），而是将自己和作者（或作品中的人物）水乳交融在一起，塑造出一个艺术真实的“作者（或作品中的人物）”。

这个“作者（或作品中的人物）”，重在“神似”。神似乃艺术之真谛，这正如齐白石先生“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”之言所蕴含的道理。

因此朗诵者一定要认清楚自己的“真实”身份，这样才会体现出再创作的艺术独创性。
(请把第三、第四两个问题连起来做整体理解。)
四、鲜明的个性有利于艺术风格的形成

朗诵的艺术风格指的是一个人把自己的性格特点、审美追求、艺术修养、声音气质和文学作品的语言风格融合在一起后所表现出的独有的艺术特色。

艺术的灵魂在于个性和风格。艺术风格必须有个性，但个性并不等于艺术风格。

虽然“个性是一切艺术的重要基础”（林语堂），在艺术创作中起着至关重要的作用，但它同样属于为思想感情服务的形式，不能喧宾夺主，所以朗诵者切忌把自己的个性强加于作者或人物之上。只有对性格有一个健康认知，才能更好地理解、表达作品。

不同的人有不同的性格特点，每个人的性格往往又有多面性。文学作品同样如此。就具体的某一篇文学作品来说，朗诵者和作者的个性所体现出来的精神气质要相融，或者说朗诵者的个性要服从作者的个性，掌握好宾主之间的分寸感，这样才能够胜任作品的表达。如果和作者个性相距太远，格格不入，那么表达出来的情感就会给人以不真实的感觉。由此可见，朗诵者的个性越有伸缩性，所能朗诵的文学作品就会越多。

从创作角度看，艺术来源于生活并高于生活，这才能体现出艺术创作的价值。所以朗诵者要善于把自己的少量个性渗人作者（或作品中的人物）的个性当中去，创造出新的艺术个性来。不过切记要以作者（或作品中的人物）的个性为主，以自己的个性为辅，这才叫忠实于原作，否则就是喧宾夺主了。

但有些人意识不到这一点，朗诵时总是把自己置于听众的面前，本人的性格完全掩盖了作者（或作品中的人物）的个性面貌。这会给听众一种游离于作品之外的、不真实的感觉，从而失去艺术的感染性。

一些个性严谨、谦虚、朴实的朗诵者尤其要注意到这一点，不要把生活中的“美德”变为朗诵中的“缺陷”，用自己无意识的本色表演来处理所有的朗诵作品。这样会使朗诵趋于平庸的类同，出现平面化、泛泛化、中规中矩的无特色表达。
五、朗诵艺术的“表演性”不是指肢体语言的表演

作为一种表演艺术，朗诵的“表演性”，是指运用声音技巧把朗诵者和作者（或作品中的人物）融为一体的“独特个性”雕琢出来。这就如同影视演员刻画和自己个性迥异的角色一样，只不过表现手段不同罢了。

实践中，许多人往往把表演性理解为肢体语言的表演，过度开发体态语的表演功能，这是走到“形式大于内容”的歧路上去了。究其原因，还是对这两个概念想当然的交叉错位理解造成的。
六、要懂得朗诵艺术“舞台交流”的特有含义

“舞台交流”是表演艺术的重要手段。

在话剧、戏曲、影视等表演艺术中，舞台交流主要是指同台演员、演员与欣赏者以及演员自我之间的情感交流。

朗诵艺术的舞台交流和其它表演艺术的不同在于：在舞台上，朗诵者没有其他表演艺术的表演碰撞、动作刺激与道具辅助，完全要靠语言来和听众进行“间接”的情感交流，吸引听众参与到自己的表演中来。

此时，朗诵者处于“当众孤独”状态，眼神应主要和自己的内心视像进行交流，这样的朗诵才能进入注意力集中的表演状态，才会达到出神人化的境地。而和听众直接用“目光交流”则容易引起内心视像的中断、注意力的分散，进而导致表演的失败。

现实中，有些专家评委要求选手用眼神直接和听众进行交流，说这样才能根据听众的回馈来随时调整自己的朗诵，才是尊重听众，才不会“目中无人”。殊不知，舞台上的“目中无人，目空一切”正是和内心视像交流的正常表演状态。例如费玉清、王宏伟、谭晶这些著名歌手、歌唱家在表演时不都是在和心中的内心视像进行交流吗？朗诵不是为了烘托气氛，演员可以抽空来几句“插入语”和观众进行互动的“小品”。台下准备不充分，指望台上打磨好作品，做得到吗？
七、各种表达技巧只是分工不同，并没有高低贵贱之分

所有表达技巧均具有侧重性和多面性的功能，其间是互相配合、团结协作的关系，并没有好坏之分，只是分工不同、所起的作用不同而已。

这正如老舍先生在《学生腔》一文中所言：“字没有高低贵贱之分，全看用的恰当与否。连着用几个‘伟大’，并不足使文章伟大。一个很俗的字，正如一个很雅的字，用在恰当的地方便会起好作用。”

朗诵也是这个道理。技巧是为表情达意服务的，不能生搬硬套，要和思想感情融为一体，要顺着作品的脉络灵活自然地运用，才能“服”好这个“务”。能够画龙点睛、锦上添花的就是好技巧：脱离内容、哗众取宠的技巧无论花色如何艳丽也不值得称道，不过是画蛇添足的自我卖弄罢了，毫无存在的价值。这就如同中医的用药理念：能够治好病的药就是好药，药不对症，治不好病，价钱再贵也不是好药。

一些初学者为了追求所谓的艺术个性、一鸣惊人的效果，往往根据个人喜好，贵此轻彼，想当然地认为那些“高门大嗓、铿锵有力”等容易引起人们注意的技巧才是好技巧，其实这种慷慨激昂的“叫喊式”朗诵实在是不成熟的表现。
八、节奏必须在情感的推动和语势的控制之下灵活而准确地运用，切忌做机械式运动

节奏的形成是因为情感的推动：理性的情感会使节奏趋缓，强烈的情感能使节奏分明。

其“抑、扬、顿、挫、轻、重、缓、急”的分配特点是：感情恬淡时，“轻缓顿抑”明显一些，起伏小一些；感情浓烈时，“重急挫扬”鲜明一些，起伏大一些；感情压抑时，往往顿挫重一些，速度慢一些......种种情况不一而足，需细细体味。

节奏和语势的“运行轨迹”是完全一致的。节奏是以快慢轻重为主的时间性艺术，又是以抑扬顿挫为主的空间性艺术。朗诵者要有这种“时空感”，才能灵活准确地处理好节奏技巧。

现实中，一些人常常把节奏“切段分块”，看似快慢分明，实为“机械运动”，因为情感是不会按设计的套路出拳的。从中还可看出，机械运动的节奏和固定起伏的语势是互相影响的，都是固定腔调的外在表现形式。

另外，朗诵者一定要清楚自己的性格特点和表达习惯。例如性格急躁的人说话偏快，性格憨厚的人说话偏慢。如果这些表达习惯被无意识地带到朗诵中，特点也就变成缺点了。
九、要注重细节的处理，有“专一、专注”的理念

艺术在于细节。一个合格的朗诵者应有深入作者或人物内心世界、体悟其性格特点的理解能力和排除掉各种语言杂质的审美能力，以及细心把握心态的精控性、态度的分寸性、情感的细腻性、语意的准确性、声音的多变性、语势的灵活性、技巧的贴切性、思维的流畅性、语态的自然性的表现能力。

在平时练习时，朗诵者要抓住一件文学作品不放，对其多方研究，细心揣摩，反复打磨，要把每一个字词都处理得有“光泽”，即得到或形象化，或思维化，或情感化的“浸润”——直到多位水平较高的鉴赏者满意后，方可继续下一件作品的准备。

这样做的好处是能够较好地提高理解力、表达力、调检力，积累经验，锻炼语感，达到实践出真知的目的。这种做法看似慢，实则是提高水平最快的方法。达·芬奇小时候，老师让他从不同角度长久观察，反复临摹鸡蛋，就是这个道理。

对此，一代山水画大师李可染先生深有感触地说：天底下，大学问家都是先搞通一个问题，了解了一个事物的规律性，再研究另一事物，对把握客观事物的共性，也就有了借鉴。这就是举一反三，触类旁通。

果真如此，朗诵者就有可能成为“煎、炒、烹、炸、炖”样样精通的烹饪大师，既清楚“菜料”和“调料”的功能与搭配，又刀工精湛、火候精准，从而熟练做出“色、香、味”具美的佳肴来。切不可走马观花，蜻蜓点水，像狗熊掰棒子那样，到头来竹篮打水一场空。
十、善于“听过”，勇于“内省”，应是朗诵者必须具备的思想素质

一个人的缺点有时候自己很难发觉，只有亲近的师友才能发现并指出。“看不到自己的缺点，听到批评的声音就厌烦”是现实中许多人的毛病。在人生从幼稚逐渐走向成熟的过程中，每个人都可能有为人或做事方面的长处与短处，或许都会存在知识上的“盲区”与理论上的“偏见”，这是很正常的。关键是在向成熟靠近的途中，应懂得“忠言逆耳利于行”“吾日三省吾身”的道理，尽量减少或消除一个个的成长“阻碍”。

承认缺点并不是什么丢人的事。人非圣贤，孰能无过？孔子把相貌丑陋的子羽逐出师门后，令他本人没想到的是，就是这个自己不喜欢的子羽却把他的儒家思想发扬光大到了我国南方地区。孔子反思说“以貌取人，失之子羽”，后悔之情溢于言表。

所以说世间没有完美无缺的人，能够意识到缺点，知错就改才是明智的。在朗诵创作的道路上，有时一个人的“无知”，会让优点也变成缺点，并且自己浑然不觉。因此发现不足，千万不要去掩藏或美饰，一定要下功夫改正，这才叫真正的热爱朗诵。

善于反思、勇于改过、闻过则喜是思想成熟的表现。从某种意义上说，一个人水平的高低主要体现在纠错能力上。达·芬奇说过一句名言：一定要认真思考别人对你的指责，如果他说得对，就修正自己的错误。所以朗诵者一定要有不断否定自己的勇气，这样才能超越狭隘的自我。

十一、心无杂念是朗诵艺术的基本要求

任何艺术都是心灵的产物。朗诵就是一种心灵独白，是从心底里流淌出来的感情艺术。朗诵者要敢于撕开人性的面纱直指内心深处，用真诚而淳朴的心灵和作者炽热的灵魂相碰撞。只有这样，动人的情感才能痛快淋漓地释放，才能给人美的享受。

从这个角度讲，艺术要求“心无杂念”。朗诵艺术之所以有净化、塑造心灵的作用，就在于她要求朗诵者和欣赏者只有在心无杂念的状态下，才能共同营造出心灵共鸣的艺术氛围，完成点燃、宣泄、升华情感的目的和重任。

所以在舞台上，朗诵者一定要达到全神贯注的表演状态，用真挚、自然、饱满的感情，吸引听众进入情绪紧张集中的欣赏状态，进而起到朗诵应有的作用。

十二、演绎经典名篇是当今朗诵艺术的主要任务

如今朗诵作品的选择，有一种向“犄角旮旯”进军的趋势。有些朗诵者和听众、评委们玩起了“捉迷藏”的游戏，把一些毫无经典可言的文章从“深山老林”里搬出来用于表演比赛，无非是利用人们的“不懂”掩藏自己的“不足”罢了。语言功力的缺失，只能对经典望尘莫及。

经典文学作品，是先贤们思想与智慧的结晶，是我国几千年文明历史浓缩出来的精华，是我们最长久的精神文化营养。建好房子需要好基石，要提高整个民族的文化素质、道德水准、审美情趣，离不开经典文学作品的熏染。

在市场经济环境中，由于出现了道德滑坡现象，所以净化塑造心灵，传承中华文明，弘扬社会主义核心价值观已成为全社会的共识。朗诵理应承担起这个重任，把经典名篇所蕴含的催人奋进的艺术力量挖掘出来，用以武装我们的头脑，重现中华民族“泱泱大国、礼仪之邦”的雄风。

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